关 键 词 ：海顿 莫扎特 演奏
海顿和莫扎特同是维也纳古典乐派杰出的作曲家，虽然两人年龄相差24岁（海顿生于1732年，莫扎特生于1756年），但两人之间却有着深厚的友谊，这两位伟大音乐家的友谊被传为佳话。钢琴奏鸣曲的创作在海顿和莫扎特的作品中占有重要地位，正是两位大师在音乐上的不断探索，得以使钢琴奏鸣曲套曲形成，他们也成为音乐史上十分重要的创造家和奠基者。本文将从演奏的角度对海顿和莫扎特的奏鸣曲进行比较。
一、音乐表达方式的不同
作为同时代的作曲家，他们的音乐在织体、和声、曲式以及作品所反映的明朗乐观的情绪上都具有属于那个时代的共同特点。但是，由于他们的生活环境、成长经历以及个人天性的不同，使他们的音乐风格也存在着很大的差异。
海顿自小几乎遭到遗弃，未经良好教育，不得不在拼搏中长大成人，他的父亲是马车工匠，母亲是厨师。海顿的童年是在农村度过的，当地的民间歌舞给他留下了深刻的印象。海顿的创作得以同多民族的奥地利民间音乐保持密切的联系，与他的童年经历密不可分。海顿虽然学习过键盘乐器和小提琴的演奏，却没有机会接受系统的音乐教育。他真正的学校就是生活本身和工作实践。1761年，当海顿29岁时，开始为保尔·安东·艾斯特哈齐亲王工作，此人是财势最大的匈牙利王族之长，热爱音乐，慷慨资助各项艺术。保尔·安东之兄尼古拉斯于1762年承袭亲王王位，海顿在这兄弟二人手下工作近30年。海顿的任务是创作亲王点写的任何品种的音乐、指挥演出、训练管理所有的音乐人员、保持乐器完好。亲王拥有一支25人左右的乐队，演奏人员都是从奥地利、意大利或别处招来的最优秀的音乐家。这样的条件对于海顿的创作可谓是理想之至。因此，海顿以他的104首交响曲和36首弦乐四重奏的创作及贡献，被人们称为“交响乐之父”。
故而，海顿惯用的管弦乐创作思维，会自然而然地运用在他钢琴音乐的创作中。可以说，他的钢琴作品都具有乐队效果。他在钢琴上模仿各种乐器，几乎将交响乐中的音响特点都移植到钢琴上了。在他的奏鸣曲中，时而有乐队的全奏，时而有乐器之间的对话，这些都需要我们用较为饱满的声音、丰富的共鸣以及细腻的音色变化将其表现清楚。
而莫扎特家教有方、见多识广。他的父亲是一位小有才华和声望的作曲家，一部著名的小提琴演奏论著的作者。在父亲的培养下，莫扎特3岁学习钢琴，5岁开始作曲，6岁即以“神童”的身份在维也纳、慕尼黑以及法国、英国、荷兰、意大利各国旅行演奏。通过这些旅行，莫扎特有机会直接了解当时欧洲各国最优秀的音乐成就，艺术视野大为开阔。与著名歌手的频繁接触使莫扎特意识到，成为自己信条的那种音乐美感尚未在器乐中体现，他觉得应该在器乐中造访人声。从此歌声支配他的全部音乐想象。
莫扎特的器乐作品中一切都在歌唱，甚至包括他的快板。他的音乐语言来自歌剧，每一首作品都仿佛是莫扎特的一部歌剧，每一句、每一小节都有很细腻的人物刻画，并在键盘上栩栩如生地表现出来，令人陶醉。莫扎特的旋律大多在右手，所以力度的对比、变化都要靠右手来控制，在注意音色的同时还要注重乐句的呼吸，每个乐句都要交待清楚，要弹奏得圆滑，乐句中不要出现重音，句尾的处理要自然。而左手常常是带有韵律的伴奏音型。正如法国钢琴家吉泽金所说：“弹奏莫扎特，左手伴奏永远是轻轻的。”
二、乐器发展的影响
乐器的改进与发展始终推动着音乐风格的演变。新的乐器制作技术带来了新的音响世界，为作曲家开辟了广阔的新天地，使之乐思涌动，翱翔于中。
18世纪中叶的“维也纳式击弦机”钢琴深受海顿和莫扎特的喜爱，该琴的特点是机件灵活，琴键触感较浅而轻，有很灵敏的制音系统，共鸣不强，音量偏小，但音色清晰透明。莫扎特的钢琴音乐都是为当时的古钢琴所作。因此，我们今天弹奏他们的作品时，就需要考虑如何在现代钢琴上弹奏出古钢琴的声音特点。经过上述的了解，我们基本上可以确定我们所需要的声音。在弹奏连音时，我们需要的是具有颗粒感、棱角感的清秀的声音。所以，应当特别注意指尖触键时力量的集中感，指尖感觉敏锐，触键时间勿长，快速的音符要弹得有光泽，触键均匀，有穿透力，声音不要发粘，不可过重，要弹得爽朗、轻快，要有“大珠小珠落玉盘”的效果。
另外值得注意的是，在18世纪末期，海顿的创作晚期，他接触到经过英国钢琴制作师——布劳德伍德改进的古钢琴，这是一种体积更大，音量更强的钢琴，其特点是：音域扩大到五组半八度，触键感较重，并且是一音三弦，音板厚，所以音量大，共鸣强，声音深沉浑厚。经过改良的古钢琴，其共鸣已经可以更为准确地奏出具有乐队效果的音响。海顿的最后5部钢琴奏鸣曲，包括在英国创作的3部“英国奏鸣曲”是他专为改进后的钢琴创作的，这些作品被视为钢琴音乐宝库中最早的一批珍品。因此，当我们弹奏海顿晚期作品的时候，其音响效果和对音色的追求要区别于他的早期作品以及莫扎特的作品。在表现乐队全奏的和弦时，以及模仿其他乐器的音色时，要敢于表达，认真倾听所弹奏的声音是否符合作品的要求。
三、曲式发展与音乐的组织
在注重音乐表达以及音色等细节的同时，还要从音乐的整体上来把握演奏风格的准确，以确保演奏效果符合作者的要求。因此，了解海顿和莫扎特在奏鸣曲曲式上的区别是很有必要的。
海顿在钢琴奏鸣曲创作方面深受c.p.e.巴赫的影响，他潜心研究c.p.e.巴赫的奏鸣曲，热衷于奏鸣曲快板乐章中主、副部主题统一的处理手法，在音乐形象上的对比性质还不强烈，只是在调性上进行对比。海顿奏鸣曲式的连接部与展开部的规模增大，而这两部分含量的增加，体现出奏鸣曲式的乐思发展的原则，它以小动机作为核心，活跃于移动的调性与和声变化之中并推动音乐向前发展，到了贝多芬的时代，这个蕴涵着动力的因素被发挥得更加充分。
由此我们可以得知，在海顿的奏鸣曲中，音乐形象的统一、一致是至关重要的。他的音乐形象大多是充满朝气、富有幽默感的，要抓住和理解其内在的音乐气质，才能在弹奏中保持音乐形象的统一。由于调性上的对比，应当弹奏出声音色彩上的变化，要注意指尖上的控制以及听觉对色彩的追求，在海顿的音乐中是一个五彩斑斓的缤纷世界。
莫扎特在钢琴奏鸣曲曲式上的发展比海顿又前进了一步，无论在乐曲的结构规模、形式的均衡统一，还是在主题性格的对比、和声的应用方面都达到更为纯熟的地步。莫扎特的主题本身就很完整，不像海顿的主题留有较大发展余地。虽然古典钢琴奏鸣曲呈示部的第二主题直到贝多芬手中才被赋予全部的意义，但是与海顿相比，莫扎特在奏鸣曲呈示部中奠定了更有独立性的第二主题，并且往往通过连接部的准备才导入，从而更强调了它的意义。莫扎特的第二主题音乐个性丰富，但是往往在它们出现后，是一连串快速经过句或者是新的乐思，此后不复展开。这种随心所欲的创作方式成为莫扎特笔下特有的、兴之所至的轻松风格。
莫扎特对奏鸣曲式的发展使他的作品中有了更为丰富的音乐形象。在一首奏鸣曲中往往有多个角色，因此在弹奏中要注意角色的转变，所有的角色的独白、对白都要有分寸，都要有细腻的刻画。莫扎特的慢板乐章常常用咏叹调来表现他的旋律天赋。在他的音乐中，旋律始终是第一位的。
作为维也纳古典乐派同时代的作曲家，海顿和莫扎特这两位大师的作品在钢琴文献中占有重要的地位。从演奏的角度对海顿和莫扎特的奏鸣曲进行比较，对准确掌握他们作品的演奏风格有积极的作用，而正确掌握其作品的演奏风格需要我们不断地探索与追求。
参考文献 ：
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[3]周薇著．西方钢琴音乐史，上海：上海音乐出版社，2003年2月第1版．
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