关键词 文艺复兴时期 复调合唱作品 声部均衡 风格
14世纪下半叶到17世纪初是欧洲资本主义关系在封建社会内部产生和发展的时期，是一个在文化进程中紧接过去并取得惊人成就的时期，这个时期被称为文艺复兴时期。文艺复兴时期的复调合唱在西方合唱发展史中占有举足轻重的地位，了解和演唱好这一时期的复调合唱作品对于提高一个合唱团演唱水平和整体素质是很有帮助的。
一、文艺复兴时期合唱作品的特点
在这一时期，合唱作品的形态及内容仍处在中世纪宗教性向世俗性渐变的过程中，虽然宗教性的音乐作品仍占据着主导地位，但各种新生的元素如调式、节奏、对位法等已经开始大量涌现。
文艺复兴时期的复调合唱主要由两部分组成：圣歌和牧歌。圣歌包括“经文歌”、“弥撒曲”等宗教礼仪歌曲：牧歌则分为世俗牧歌和宗教牧歌。这个时期欧洲人的精神支柱是教会，教会音乐占主导地位，多数宗教合唱歌曲是在教堂里演唱的。但在民间，世俗音乐大量存在。牧歌在流传上要广泛得多。内容也要宽泛得多。那个时期的复调合唱作品多为多声部无伴奏合唱，即使有伴奏也不过是用乐器来重复人声声部。
这一时期的合唱音乐作品概括起来其特征有以下几点：一是宗教性是其表现的主要内容，这是其赖以生存的根本；--是人文主义精神开始萌芽，世俗性的民间音调开始融入主流音乐并影响着它的发展：三是调式开始由早期的教会调式转向大小调式：四是复调音乐占据着主导地位，各声部作用相同：五是音乐是非节拍的，不使用小节线，节奏完全依从于语言，以语言歌词的语调和音节作为音乐发展的基本元素：六是作品中各声部的模仿规律性很强，声部交替出现：七是大量采用协和音程，非协和音程的使用受到严格限制，变化半音被避免使用：八是音乐的速度依歌词情绪而定，总体上要保持平稳，渐慢渐弱等音乐处理在这时都不允许，音乐变化在各段落本身，用扩大音符时值来改变：九是在演唱时要避免情感的过于激动。尤其是演唱纯宗教作品。
二、声音的把握和声部的均衡
文艺复兴时期，在形式和技法上是复调发展的高峰，作品基本上是复调性的。复调合唱最基本的原则是：各声部横向发展，多线交织，纵向基本没有联系，而是追求各声部自身的完整性，各声部组成相关联的线条，而每个声部线条都要明确被听到，并起到同等重要的作用。对位时要求每个声部进入的“点”都要相当清楚，注意旋律的进行。
演唱文艺复兴时期的复调合唱作品，对合唱队各声部之间的均衡提出了更高要求。合唱产生于教堂，服务于教会，但文艺复兴时期的合唱队中没有女声部，因为当时教规规定女子进入教堂不能发出声音，女高音声部由男童担任。因为各声部的地位同等重要，所以声音要平衡，强弱对比准确，这就要求男低音不能下沉，音色要向男童靠拢：男高音用假声，并控制演唱中声音的强度。这样就使得演唱中的音色、音量更容易达到一个平衡的状态。
文艺复兴复兴时期合唱团编制是四到十六人，因为人少，听众的焦点会集中到每一个人身上，所以演唱者必须有表情，音色必须相近，这样就形成了对演唱者声音的特殊要求。当时的音乐家zacloni在谈如何歌唱时提到过以下几点：要把音唱准：要放松的歌唱。用天然的自然嗓音歌唱：不要用灰暗的声音唱，不要喊。由此可见，当时的合唱对声音的要求是用真声演唱，音色清透，声音平稳、松弛、柔和。那个时期的圣歌要求声音很轻，sop不能有抖音，alto的部分都能用tenor高八度演唱，tenor也相当轻柔。通常是一个持续的音在进行，bass也不厚重，是有弹性、轻快、自由的，声音头腔共鸣多一些而胸腔共鸣少一些，轻轻应和即可。
在排练时，可以将作品轻声高位练习。而这种轻声训练必须要有良好的气息支持、良好的头腔共鸣。且每个自得韵母必须丝毫不变的保持到本字的结尾，这种唱发有点像咬字清晰的半哼半唱。结合作品风格来看，文艺复兴时期的弥撒曲和经文歌本质上还是非人格化的，不能深入戏剧性的处理，不能用波动的人生。世俗音乐和牧歌可以稍自由一些，但还应该保持一定程度的抑制。不能豪放。
三、加强听觉训练
由于文艺复兴时期的合唱作品大部分是无伴奏合唱，所以这个时期的复调合唱作品的演唱对演唱者音准的要求是非常高的。不仅要对自己声部旋律清楚明了。还要在演唱的同时顾及其他声部的进行。为了在自己演唱的过程中与其他声部密切配合，应该在唱好自己声部的同时，了解并熟悉其他声部，这样才能在演唱过程中时刻注意其他声部的进程。旋律横向进行是否流畅，纵向进行是否和谐，这些都是训练时要注意的，而要达到这些要求。进行严格的听觉训练是很必要的。
听觉训练对于一个合唱团来说至关重要，而听觉训练不仅仅要让团员唱准音符，更重要的是要让团员学会倾听。听自己的音准是否准确：听自己的声音是否与自己声部其他人的声音协调：听自己的声部是否与其他声部协调等等。并且能够及时根据声部中不同性质的音程在音响上所具有的不同协和度和紧张度调整自己的歌唱状态和声音，使之符合音乐与听觉上的需要。
四、节奏、速度与强弱的把握
文艺复兴时期的合唱作品是没有节拍的，节奏严谨，音乐按照歌词的需要安排重音。每小结第一拍为重音的规律在这一时期几乎不存在。虽然文艺复兴后期的许多作品中已经出现小节线，那也是为了能让演唱者更容易演唱整齐而已，与现在的小节线的意义是不同的。如果用今天的理解方式对待当时的作品，会损害声部固有的流畅和节奏。
歌词的情绪变化主导着文艺复兴时期作品的速度。在演唱这一时期的宗教作品时，要求速度平稳，任何速度上的改变只能根据歌词情绪的变化或者作品结构的变化而改变。段落之间速度的转换必须根据歌词处理的非常精致合理，以免损害作品的对称。如果当歌词的一个音节形成一个音型时，节奏必须加以克制，使歌唱线条固有的美显示出来。也就是必须具有略微向前推进的感觉。
“渐慢渐弱”在这一时期的宗教作品中几乎是不存在的，如需要，总是在音乐的各段落本身出现变化。比如用扩大音符时值的方法来取得这种简慢的效果，所以演唱和排练时要避免“渐慢渐弱”的处理方式。那个时期的宗教作品必须处理得平稳流畅，上升和下降的线条在乐句中已有表达。经文歌、弥撒曲等题材应严格控制其速度和力度，不能有过于明显的速度和力度变化，但世俗性题材的作品可根据其内容放宽限制。赋予其一定的自由。总的来说，避免速度和力度上的变化才是表达那个时期复调合唱作品的准则。
五、风格的把握
第一，多声部合唱最早源自于欧洲中世纪的基督教会音乐，它产生于宗教同时为宗教的教义服务。教会为了控制人的精神，要求信徒的绝对虔诚，所以，教堂里的音乐是宁静、平和、安详的，不掺杂世俗的波动起伏。这就要求演唱者在演唱时要避免情感的过于激动和投入。尤其是演唱纯宗教作品，要用一种虔诚的、非人格化的、客观的、没有任何戏剧色彩的方式，即直声来演唱。教堂中的音乐不是感情的张扬，而是心灵的寄托，演唱中不是激情的奔放，而是仿佛在向人们传达对神应有的理性的信念，是美的融合。因此，在演唱这个时期的宗教作品时要着重唱出音乐本身纯粹的美和肃穆冷峻如同“圣音”般飘渺的意境。
第二，本时期多数合唱作品的演唱是在教堂里进行的，教堂的建筑结构造就了合唱音乐的演唱风格和方法。教堂的内部空间高、大、空，使得教堂中的声音反射，听起来更加宁静遥远。这就要求演唱者声音要明亮，咬字要清晰。“共鸣”交给教堂建筑，而演唱者是不追求共鸣的，人声本身的共鸣多了反会引起音乐的嘈杂、混乱，线条不清晰，不够安静。
第三，文艺复兴时期是欧洲在音乐方面大交流的时期。虽然宗教音乐要求严谨，但在世俗音乐和牧歌的表现上可赋予一定自由。当时的作家们常常根据歌词的意义。把作品表上各种表现手法，如：用跳音来表示欢乐，上行的乐句表示“天”，下行的乐句表示“地”，用增、减三度音程表示“忧愁”，非协和音程表示悲伤痛苦等。尽管如此。演唱这类作品是仍要照顾该时期的音乐特性，尤其在节奏上要保持严谨，力度的变化不能过分。
第四，在训练过程中，让合唱团员多听一些优秀合唱团的演唱。甚至可以多看当时的绘画、雕刻艺术作品。充分感受那种人本主义精神，这对把握作品的风格大有裨益。
复调合唱艺术高度发展的文艺复兴时期是合唱艺术的骄傲，它不仅影响深远，而且留下了无数至今为人们所钟爱的合唱艺术精品。学习和演唱这些作品不仅对合唱团的训练大有益处，而且在合唱音乐织体写作、合唱声音概念的培养和建立等方面有着极为重要的意义。
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